SONIDO Y MÚSICA EN EL CINE, TV Y VIDEO

Relación con el temario de 2º de Bachillerato (Real Decreto 1105/2014 del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, de 26 de diciembre, por el que se establece el currículo básico de la Educación Secundaria Obligatoria y del Bachillerato):Bloque 1:La relación perceptiva entre imagen y sonido: diálogos, voz en off, efectos especiales, música. La adecuación de la música y de los sonidos a las intenciones expresivas y comunicativas . Integración del sonido en las producciones audiovisuales. Elementos expresivos del sonido e relación con la imagen. Funciones de la banda sonora. La banda sonora en la historia del cine. Los grandes creadores: Augusto Algueró, Roque Baños, Bernardo Bonezzi, Carmelo Bernaola, Antón García Abril, Alberto Iglesias, José Nieto, Alfonso Santiesteban, Adolfo Waitzman, etc.

SONIDO DIEGÉTICO Y EXTRADIEGÉTICO

Podemos clasificar el sonido de una película de una forma simple:

• El sonido diegético está justificado por algún elemento de la narración. La fuente del sonido puede estar dentro de campo, es decir dentro del plano o encuadre o puede proceder de una fuente que estña fuera de campo, en ambos casos es sonido percibido por todos los personajes de la narración. Puede proceder del interior de un personaje, expresando sus pensamientos o un monólogo interior y será únicamente escuchado por el espectador (digético interior, sonido off ,aunqnue también se le denomina sonido out). 
• El sonido extradiegético (sonido over) no puede emanar de ningún objeto ni personaje de la narración,  ni ser ubicado en ella.
• Falsa música diegética, aparentemente interpretada por los personajes pero que en realidad es imposible ya que falta una parte considerable de los intérpretes (es propia de los musicales). 

Un buen ejemplo para distinguir la música diegética de la extadiégetica es el uso que se hace de ellas en la película Casablanca (1943), en concreto la famosa escena en la que Ingrid Bergman le pide a Louis Armstrong que toque la canción que le recuerda su relación con Rick (H. Bogart): Play it , Sam.

Debemos distinguir también desde un punto de vista técnico entre:

• Sonido directo: es el sonido que se registra durante la filmación, incluyendo los wildtracks, que son ambientes o repeticiones de diálogos que se graban al margen de la imagen y luego se añaden en el montaje.
• Efectos de sonido Son sonidos que remarcan la acción pero que no son fruto de la acción sino que han sido grabados previamente y se añaden durante la filmación sino o en el montaje Los especialistas en efectos de sonido se denominan artistas de efectos de sala o foley artist

FUNCIONES DEL SONIDO Y DE LA MÚSICA EN EL CINE 

FUNCIÓN NARRATIVA

• Ambienta la película en el tiempo y el espacio. En películas históricas o que sitúan la acción en épocas pasadas se usa generalmente música de dicha época , se adaptan piezas musicales de ésta o se compone música expresamente para la película pero inspirada en música de dicho periodo histórico. En película ambientadas en geografías exóticas, se usan instrumentos, ritmos, escalas, y melodías que nos transportan a dichos lugares. En las películas de ciencia-ficción, situadas en el futuro y en lugares imaginarios, suelen usarse composiciones de música electrónica.  
• Da cohesión a la narración. Si viéramos una escena, sobre todo escenas de acción o cuando no hay diálogo, sin música, observaríamos cierta falta de cohesión en los cambios de planos ya que es el uso de la música lo que los dota de continuidad. También da cohesión a los cambios de escena, sirve de conector entre ambas y da fluidez a la narración.  Muchas veces la música final de una escena  se prolonga hasta el inicio de la siguiente sirviendo de hilo conductor entre ambas, dando a sí a la película ritmo narrativo.
• Elipsis narrativa. La elipsis es un recurso narrativo del cine por el que se suprimen imágenes (planos, escenas) innecesarias que no aportan nada o que resultan redundantes por lo que se da un salto en el tiempo. La música pude jugar aquí un papel importante al evocar los hechos que no aparecen imágenes pero que necesariamente tiene que haber sucedido. Un caso paradigmático es la gran elipsis de 3.000 años que Stanley Kubrik nos muestra en 2001.Una odisea del espacio (1968), en el comienza usando el poema sinfónico musical musical Así habló Zaratrusta (Richard Strauss) como fondo musical y termina con el vals El Danubio azul (Johan Strauss) aunuqe propiamente durante el uso de la elipsis (el hueso lanzado al cielo y que luego se transforma en nave espacial) no hay sonido. También suele usarse la elipsis para evitar situaciones eróticas, violentas  y de otro tipo que no es necesario mostrar la escena, sólo se sugieren debido a una especie de auto-censura social que considerar de mal gusto o delicado mostrar ciertas cosas o porque a veces es más interesante suscitar la imaginación del espectador que mostrarle las cosas explícitamente. .  

FUNCIÓN PSICOLÓGICA

• Realza los sentimientos y emociones de los personajes.  La música incide, realza y potencia los sentimientos y situaciones que experimentan los personajes: miedo, alegría, amor,  odio o venganza, contribuyendo así a su desarrollo psicológico pues además de indicarnos lo que sienten o piensan, nos ayudan a conocer su personalidad. Hace más claras y accesibles algunas escenas. La música ayuda a que recibimos claramente lo que el director nos intenta decir.
• Elipsis significativa (pueden aplicarse aquí algunas de las cosas dichas en la elipsis narrativa) La música pude sustituir al sonido diegético, incluso a los diálogos, monólogos, gritos, risas de los personajes. Es un recurso que ya existía en el cine mudo. A veces la música es más que suficiente, confiere a la escena un gran valor simbólico y  la dota de mayor capacidad de expresar emociones. Un ejemplo, el final de la esta escena de Coge el dinero y corre (Woody Allen, 1969).
• El uso del silencio es otro recurso que dota a la imagen de gran poder simbólico y metafórico.
• Un recurso musical que dota al personaje de personalidad o intensifica ciertas situaciones  es que tengan su propio leitmotiv. Se trata de una melodía que identifica a un personaje, que suena cuando entra en plano, que se anticipa a que entre, o que suena cuando no está presente pero lo que está sucediendo tiene que ver con él. Es paradigmático el leitmotiv de Darth Vader en la serie de largometrajes de La Guerra de las Galaxias (Stars War). Otras veces el leitmotiv da entrada a una situación concreta, no a un personaje, es lo que sucede en la serie de Indiana Jones, cuando el protagonista comienza una aventura, una situación de riesgo y, particularmente, cuando empieza a superar a sus enemigos.
• Realza los sentimientos y emociones del espectador. Implica emocionalmente al espectador. Influye sobre las emociones del espectador, modificando el sentido de la imagen o anticipando una situación determinada. A veces, los sentimientos que el director quiere suscitar en el espectador son coincidentes, empatizan, con los de los personajes. Sin embargo, otras veces el personaje es ajeno a la situación y el sonido contrasta con lo que percibimos visualmente ya que está dirigido no a remarcar los sentimientos del personaje sino a suscitar la emoción contraria en el espectador, un ejemplo sería el de la escena del baño en Psicósis, la protagonista es ajena a la situación de peligro que corre mientras que el espectador siente la tensión y el miedo gracias a la tensión que crea la ausencia de música y a que ve la presencia del asesino, a partir de ahí la música acompaña los gestos de pánico y horror de la protagonista femenina.  En otros casos, la situación descrita en la escena diverge totalmente del acompañamiento musical, se trata de una música anempática que intenta despertar en el espectador sentimientos contradictorios y paradójicos, por ejemplo las escenas de ultraviolencia acompañadas por el tema Singing in the rain en la película La naranja mecánica o la escena del lago, una pelea violenta acompañada por La Gazza Ladra de Rossini (1817) 

LA BANDA SONORA EN LA HISTORIA DEL CINE

Un repaso cronológico por las principales tendencias  

El cantante de Jazz (1927) es la primera película con banda sonora integrada sólo los números musicales porque la película carecía de diálogos, en esto era todavía parcialmente muda. Luces de Nueva York (Lights of New York, 1928) que sí es totalmente sonora. Desde entonces los estudios de Hollywood deciden contratar músicos para que compongan las bandas BSO de sus producciones cinematográficas. Muchos de estos músicos proceden  en un primer momento de Europa y tiene una formación clásica, incorporan al cine la música sinfónica de las tradiciones europeas romántica, nacionalista o wagneriana. Esta tradición incorporada por compositores como el austriaco Steiner o el húngaro Rósza. Se trata de la tendencia fundamental en la historia de la música de cine y aun hoy es predominante en las grandes producciones, destacando John Williams como el principal compositor de desde los años setenta hasta hoy . 

Junto a la música de tradición sinfónica, comienza a abrirse paso una nueva tendencia que incorpora al cine la música de jazz o las canciones ligeras con acompañamiento orquestal. Los estudios llegan a editar discos de las BSO y se preocupan porque sean verdaderos éxitos musicales vendibles independientemente a la película. De esta época es el tema Singing in the rain (1952,  Gene Kelly y Stanley Done) compuesto por Roger Edens y Al Hoffman e intrepretada por Gene Kelly, tema y escena que se consideran la cumbre de la comedia musical americana.  

En los sesenta Mancini incorporará el jazz y la bossa nova a las bandas sonoras. 

Los años ochenta del siglo XX son los años de la música electrónica o música de sintetizador. En 1980 la marca Sega lanzó el primer videojuego con música de fondo continua. La música de cine no es ajena a estas las influencias, Vangelis o Zimmer serán los compositores encargados introducir la música electrónica en las BSO.   

En los últimos años los compositores de música para cine han dado el salto a un nuevos medios audiovisuales, compositores como Zimmer o .... han sido contratados por las grandes productoras de animación y videojuegos para componer las bandas sonoras. 

Los compositores y sus obras 

MAX STEINER (1888-1971). Nació en Viena (Austria), donde se formó musicalmente en la tradición sinfónica y operística bajo la dirección de profesores como Gustav Mahle. Tras la Primera Guerra Mundrial emigró a los Estados Unidos y comenzó a trabajar para los teatros de Brodway hasta que en 1929 se instaló en Hollywood, justo en los primeros años del cine sonoro por lo que se convirtió en uno de los precursores de la música del cine estadounidense. Compuso partituras para más de trescientas películas entre 1932 y 1964, Su música comparte el estilo de las sinfonías clásicas tiene la virtud de que no destaca sobre la imagen pero la potencia de manera significativa.  En 1933 compuso la banda sonora de King Kong, primera película en  la que la BSO esta totalmente sincronizada con las imágenes. Introduce en la música de cine el leitmotiv, melodía que sonarán cada vez que aparezcan los personajes o temas principales, e incluso cuando se habla de ellos, son paradigmáticos los temas de Tara y y la guerra en Lo que el viento se llevó (Fleming, 1939, nominada al Óscar), sobre todo la escena final en la que Tara dice la famosa frase "a Dios pongo por testigo..." mientras surge de manera esplendorosa su leitmotiv. También hace uso de los sonidos onomatopéyicos, como es el caso de la secuencia del bombardeo de Atlanta, donde se da una amplificación de los sonidos con sentido dramático. 


Otras composiciones destacadas son las de las películas:  

• El delator (1935), premiada con un Óscar.
• La extraña pareja (1942), premiada con un Óscar.
• Casablanca (1943).  
• Desde que te fuiste (1944), premiada con un Óscar.
• Arsénico por compasión (F. Capra, 1944)
• Centauros del desierto (The Searchers, J. Ford, 1956), una de las diez mejores obras cinematográficas de todos los tiempos, donde la música se convierte en el aparato que pone de relieve las imágenes, es decir, descubre sin crear significados nuevos;; sin embargo, esta presencia musical no sería del agrado del director John Ford, puesto que él abogaba por una transparencia total en la que lo visual se convierta en el único conductor de la historia. 

MIKLÓS RÓZSA (1907-1995). Nación en Budapest (Hungría) y se foró musicalmente el el conservatorio de Leipzig (Alemania). En París y Londres se inicia en la música de cine y se traslada a Hollywood para participar en la música de El ladrón de Bagdad (1940). Desde entonces permaneció en los Estados Unidos y compuso música para más de cien películas. Fue candidato a los premios Óscar en 16 ocasiones y obtuvo lo obtuvo tres veces. Su música se inscribe en la tradición sinfónica europea posterior al romanticismo musical, especialmente en la tradición húngara (Bela Bartók, Zoltán Kodály), con un gran poder melódico y contrapuntístico junto a una orquestación de tradición wagneriana en la que destaca el uso del leitmotiv para identificar personajes y situaciones 
Destacamos las composiciones para: 

• Recuerda (1945), premio Óscar
• Doble vida (1947), premio Óscar
• Ben-Hur (1959), premio Óscar. 

HENRY MANCINI (1924-1994). Estadounidense hijo de inmigrantes italianos. Comenzó a escribir música para el cine en 1952, en películas de serie B junto a otros compositores, en esta etapa su estilo es todavía sinfónico. En 1958 firma su primer trabajo en solitario, la música de Sed de mal (Touch of Evil, de Orson Welles), en la que comienza a definir un estilo propio basado en el jazz interpretado por una orquesta. Este estilo moderno y ligero se adaptaba bien a la televisión así que pronto fue contratado para componer música para series como Peter Gunn. Sus temas se convirtieron en éxitos populares y fueron editados en discos de forma independiente a las películas manteniéndose durante semanas en número 1 de las listas de éxito de los programas de radio. A lo largo de su carrera ganó cuatro Oscars y veinte premios Grammy. En la década de 1960, Mancini alcanza su máxima popularidad con la música de películas como La pantera rosa (Edwads), Desayuno con diamantes (1961, Edwads, premio Oscar a la mejos BSO y a la mejor canción original por Moom River, que vendió más de un millón de copias), Arabesco (Stanley Donnen), Charada (Stanley Donnen), Hatari! (Howard Hawks) en la que destaca el tema del Camino del Elefante (Baby Elephant Walk). Durante estos años aporta otras de sus señas de identidad: el coro mixto, que interpreta el tema principal de la película. Durante las décadas de 1970 y 1980 sigue cosechando éxitos en cine y televisión como Los Girasoles (Vittorio de Sica, 1970), gana el Oscar por Victor Victoria (1982)

ENNIO  MORRICONE  964 aparece Por un puñado de dólares, 

JOHN WILLIANS 

NINO ROTA Romeo y Julieta (1968), El Padrino (1972), El Padrino II (1974).

VANGELIS consigue un Oscar con la BSO de Carros de Fuego (1981) quedando por encima de Willians. Blad Runner (1982)

HANZ ZIMMER (1957). Nació en Alemania. En los años setenta se traslada a Londres y allí participa en grupos de música pop electrónica en los años ochenta del siglo XX, es uno de los componentes del grupo británico The Buggles que aparece tocando los teclados y sintetizadores en el video de la canción “Video killed the radio star” (1979). De hecho, el estilo de Zimmer ser caracteriza por la integración de la música electrónica con la de las grandes orquestas clásicas. A finales de los ochenta da el salto a Hollywood y compone bandas sonoras tan destacadas como las de  Paseando a Miss Daisy, Thelma y Louis, El rey león (Disney, 1994) con la que ganaría un premio Oscar, El ultimo samaurai, Gladiator, Piratas del Caribe, entre otras muchas.  También ha creado bandas sonoras para videojuegos, como Call of Duty: Modern wafare 2.

DANNY ELFMANN para Batmam o Pesadilla antes de Navidad,

MARK MANCINA (Santa Mónica, California, 1957). Es un músico que ha participado en numerosos proyectos de rock progresivo. Ha grabado más de 60 películas y series de televisión con los que ha ganado dos premios Grammy y tres Emmy. Destaca por sus composiciones para películas de acción, a menudo muy comerciales y grandes éxitos de taquilla pero de discutible calidad artística, y para películas de animación para The Walt Disney Company, con la que comenzó a trabajar en 1994 colaborando con Hans Zimmer en los arreglos y la producción de la banda sonora de El rey león, para la que compuso música adicional para el musical de Broadway (1997)

• Speed (Jan de Bont, 1994), película de acción premiada con dos Oscar al mejor sonido y mejores efectos de sonido y mejor . Un policía de Los Ángeles (Keanu Reeves) queda atrapado en un autobús urbano que lleva instalada una bomba programada para explotar si el vehículo disminuye su velocidad a menos de 80 kilómetros por hora además el conductor ha sido herido por lo que debe hacerse cargo del volante una joven e inexperta pasajera (Sandra Bullock).

• Bad Boys (Michel BAy, 1995), película comercial de acción y entretenimiento que combina el género policiaco y la comedia.  Un alijo de cocaina valorado en 100 millones de dólares es robado del depósito de la policía de Miami. Dos policías ( Will Smith y Martin Lawrence) peculiares por sus métodos se encargan de la investigación en una frenética sucesión de explosiones, persecuciones y situaciones cómicas. 

• Twister (1996, Jan de Bont), película de catástrofes en este caso sobre el mayor tornado del siglo en Oklahoma. Los efectos visuales digitales predominan sobre la interpretación de los actores, fue nominada a los Oscar por mejor sonido y efectos visuales.

• Colaboró con Trevor Rabin en Con Air (Simon West,1997), una película de acción protagonizada por Nicolas Cage, John Cusack y John Malkovich. La película trata sobre un avión que transporta prisioneros peligrosos que intenta fugarse. Fue nominada en dos categorías para los premios Óscar, por Mejor canción y Mejor sonido.

• Tarzán (Chris Buck y Kevin Lima, 1999), película de animación producida por los estudios Walt Disney Feature Animation. Su trama está basada en la novela Tarzán de los monos (1912) de Edgar Rice Burroughs, y describe las vivencias de Tarzán en una selva africana tras quedar huérfano y ser adoptado por un grupo de simios y gorilas. Inicialmente la productora encargó la banda sonora al británico Phil Collins, que debía componer música con ritmos y percusión africana e interpretar las canciones. Mark Mancina se encargó de añadir las melodías instrumentales. Rompiendo con la tradición de las películas de animación de Disney, los personajes de esta película no cantan sino que las canciones tienen una función narrativa. que complementan los escenarios y la acción del largometraje. La banda sonora ganío el Globo de Oro a la mejor canción original por "You'll Be in My Heart" y un premio Grammy.

• Training Day (Antoine Fugua, 2001). Alonzo Harris (Denzel Washington, Oscar a mejor actor) es un policía de la brigada de narcóticos que se mueve en una difusa línea entre la legalidad y la corrupción y que debe enseñar a un ayudante novato que empieza a dudar de la honestidad de su jefe. El director de esta película era conocido hasta entonces como director de videos musicales y de anuncios publicitarios.  

• Brother Bear (Aaron Blaise y Robert Walker, 2003) película de animación de Disney conocida en España como Hermano Oso y en Hispanoamérica como Tierra de osos. Es una ueva colaboración entre Phil Colins y Marck Mancina. 

• The Haunted Mansion (Rob Minkoff, 2003), producida por Disney y protagonizada por Eddie Murphy, es una película de terror para público infantil y familiar que pretende hacer reír a base de sustos. Una familia se instala e una vieja mansión que quieren restaurar pero aparecen 999 fantasmas burlones que intentan evitarlo. 

• Blood+, serie de animación japonesa de estilo anime (2005-2006) inspirada en la película Blood: The Last Vampire. La banda sonora está compuesto por cuatro álbumes, dos de ellos con piezas originales a cargo de Mark Mancina y Hans Zimmer, otro más dirigido por los mismos está compuesto por una serie de piezas de Johann Sebastian Bach y el último incluye una recopilación de todos los temas de apertura y de cierre que fueron usados a lo largo de la animación junto con los dos temas más representativos del anime; Diva y Blood+ Grand Theme. 

• Shooter (Antoine Fuqua, 2007), titulada en España El tirador. Película bélica de acción. Producto comercial para multicines. 

• Aviones (Klay Hall, 2013) Planes es un spin-off (serie derivada) de la película de animación Cars (2006) que nació originalmente como un cortometraje pero posteriormente se estrenó como largometraje por Disney. 

• Moana (Ron Clements y John musker, 2016), titulada Moana: Un mar de aventuras en Hispanoamérica, y Vaiana en Europa, una película de animación por computadora de Walt Disney Animation Studios. 

• Cry Macho (Clint Eastwood, 2021). Protagonizada por el propio director a sus 91 años. Ambientada en Texas en 1978, una ex estrella del rodeo acepta el encargo de su antiguo jefe de ir a México a busca a su hijo pequeño para alejarlo de una madre alcohólica. Durante el viaje se desarrolla la trama de la película y surgen aventuras inesperadas (road-movie). La banda sonora de Mancina conjuga el estilo de la música country y tex-mex. 

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BANDAS SONORAS CON MÚSICA QUE NO FUE COMPUESTA PARA CINE

Desde los años noventa del siglo pasado se extiende la tendencia de usar como acompañamiento música que no ha sido compuesta exclusivamente para la película, el punto de partida es el tema de Prince para Batman (Tim Burton...). Otro ejemplo, la música de Cuatro bodas y un funeral (1994) no es más que una recopilación de temas que ya eran famosos con anterioridad y aun así consiguió volver a ponerlos de moda en la radio y volver a convertirlos en número uno de los programas de música pop. El mismo recurso a temas de distintos grupos de pop.rock se usó en Matrix (1999), que llegaron a ser más famosos que los temas originales compuestos para la película.  Un caso paradigmático es el de Tarantino, que suele usar música pop y rock que de grupos minoritarios, de culto o con poco éxito que sin embargo se ven relanzados y se convierten en grandes éxitos comerciales y populares con sus películas.  

LOS COMPOSITORES ESPAÑOLES

CARMELO BERNAOLA (1929-2002). Dentro de la música culta, está considerado el introductor de la modernidad de la música clásica en España. Además de tres sinfonías y otras muchas obras experimentales y de música culta, compuso 82 bandas sonoras para películas como Mambrú se fue a la guerra (1986), Espérame en el cielo (1988) y Pasodoble (1988), con la que ganó el Premio Goya de 1989 a la mejor música original. Además compuso sintonías para programas y series de televisión como La clave (1976) o la serie Verano azul (1981).

ADOLFO WAITZMAN (1930-1998). DE origen argentino, afincado en España, compuso la banda sonora de más de setenta películas. Entre ellas cabe citar Diferente (1961), La gran familia (1962), Atraco a las tres (1962), Los chicos con las chicas (1967) o Las cuatro bodas de Marisol (1967). De entre sus trabajos, el que mayor popularidad alcanzó fue la melodía con la que daba inicio el programa más recordado de la televisión en España, Un, dos, tres... responda otra vez, una sintonía, a la que puso voz el propio director del concurso, Narciso Ibáñez Serrador en el papel de la calabaza Ruperta, y que ha quedado grabada en la memoria colectiva de todos los españoles que vivieron las décadas de 1970, 1980 y 1990. Compuso las sevillanas yeyé Paco Paco Paco (1969) para su esposa Encarnita Polo. 

ANTÓN GARCÍA ABRIL (1933). Destaca como autor de música para series de televisión como El hombre y la Tierra (1974)y de películas como Sor Citröen (1967).

AUGUSTO ALGUERÓ (1934-2011). Compositor de canciones de gran éxito comercial para cantantes de música pop y canción ligera como Penélope (Joan Manuel Serrat), Te quiero, te quiero (Nino Bravo), Noelia (Nino Bravo), Gwendolín (Julio Iglesias, Eurovisión 1970). Su primera composición para el cine fue la banda sonora de Brigada criminal (1950). Para películas protagonizadas por Concha Velasco compuso las bandas sonoras de Las chicas de la Cruz Roja (1958), El día de los enamorados (1959) o La fierecilla domada aunque su mayor éxito es seguramente La chica yeyé canción compuesta para la película Histiorias de la televisión (1965) e interpretada por la propia Concha Velasco. Compuso canciones para elñiculas protagonizadas por "niños prodigio" como El ruiseñor de las cumbres (1958), protagonizada Joselito, y varias películas de Marisol como Tómbola (1962), Marisol rumbo a Río (1963) o Cabriola (1965) o la música de Zampo y yo (1966), interpretada por Ana Belén. Como vemos, también algunas de sus canciones para cine se han convertido en éxitos comerciales por sí mismas clásicos de la música pop española. Su última incursión en el cine fue la canción Será el amor para la película Torrente, el brazo tonto de la ley (comprobar, ojo).

JOSÉ NIETO (1942). Comenzó su carrera musical en 1958 como batería del grupo pop Los Pekenikes. Durante los años sesenta desarrolla una carrera profesional como instrumentista en grupos de jazz y orquestas. Realiza arreglos musicales para diferentes compañías discográficas colaborando con artistas e éxito comercial como Julio Iglesias, Nino Barvo, Marisol, Cecilia y otros. Debuta en el cine en 1970. Uno de sus garndes éxitos fue la música del largometraje El Lute: camina o revienta (1987) del director Vicente Aranda, con el que a partir de entonces mantendrá una colaboración permanente, aportando bandas sonoras muy significativas como Amantes, La pasión turca, Libertarias, Celos​, Juana la loca​, Carmen o Luna caliente. Para la televisión ha compuesto sobre todo la música de series españolas, tanto documentales (El arca de Noé), como de temas históricos (Teresa de Jesús o Los jinetes del alba), aunque también ha trabajado en series internacionales como "Capitan Cook" o "Armada" y para la BBC en series como "Crusades" o "The End of the World". Es un músico destacado en producciones teatrales y de ballet así como en grandes espectáculos al aire libre. Entre esto últimos, en 1992 compone la música para el espectáculo del lago de la Expo de Sevilla, la del espectáculo de La Cartuja "¡Ojalá!" en 1993 y la inauguración de los Campeonatos Mundiales de Atletismo de 1999, que incluye el tema Sevilla mundial que se hizo muy popular al ser utilizado como sintonía del programa de radio de Carlos Herrera. Así mismo, es el autor de la música “Una Aventura Universal” (1997-2004) de Port Aventura. También es el autor de la banda sonora del espectáculo Fiestaventura, del parque temático Español Port Aventura, que obtuvo el premio TEA al mejor espectáculo en directo del mundo en el año 2000.

• Premios Goya: El bosque animado (1987), Lo más natural (1990), El rey pasmado (1991), El maestro de esgrima (1992), La pasión turca (1994), Sé quien eres (2000)

ALFONSO SANTIESTEBAN (1943-2013). Fue uno de los mñas prolíficos compositores del cine comercial español. La primera gran influencia musical de Santisteban fue la bossa nova, que marcaría buena parte de su obra; viajó a Río y mantuvo contactos con Antonio Carlos Jobim y otros maestros brasileños. También le encantaban esos coros femeninos conocidos ahora como “daba-daba-da”, que aparecían frecuentemente en sus innumerables bandas sonoras para cine y televisón. Eso explica que su nombre aparezca en productos livianos como Engañar a un sinvergüenza o La casa de los Martínez. Llegó a firmar unas quince bandas sonoras en el año 1975; posteriormente, pondría música a películas italianas.Suyas fueron las sintonías de series de televisión como Aplauso, Bla bla bla o Música y estrella y de series de éxito como La Barraca o Cañas y barro. No encajaba con lo que él llamaba “los intelectuales del cine aburrido”; insistía en que prefería “mil veces” la comedia y el destape. Además, debido a su matrimonio con la presentadora Marisa Medina, entró en el circuito de la prensa rosa.Muchos años después, ambos miembros de la pareja harían caja paseando sus recriminaciones por los programas basura de la televisión. Consciente del absurdo, Santisteban se burlaba de una sociedad que quería carnaza e ignoraba su música.En 1982, cuando cambiaron los gustos y los mandos en TVE, sintió que se cerraba una época y se trasladó a Marbella. Gravitó hacía el delirante universo de Jesús Gil y Gil, llegando a dirigir la televisión local. Aunque le pusieron la etiqueta de música fácil para películas de poca calidad y series de prensa rosa, a principios del presente siglo su música ha sido revalorizada con la ascensión de la llamada loungue music. 

ALBERTO IGLESIAS (1955). Además de haber compuesto música para películas dirigidas por directores españoles  Pedro Almodovar o Julio Medem, es el compositor español de mayor proyección internacional. Ha ganado 16 premisogoyas y ha estado nominado tres veces a los Oscars. Sus referentes musicales, en el cine, son Bernard Hermman, compositor de la banda sonora de Vértigo (Hitchcock, 1958) y Nino Rota. La música de Iglesias acentúa la capacidad narrativa de las imágenes, sobre todo al incidir en los sentimientos interiores de los personajes, expresando lo que esconden sus miradas y silencios. Para saber un poco mas sobre este compositor en lazamos con la página oficial del director Julio Meden, que dedica una entrada a Iglesias, uno de sus principales colaboradores.  

• Música para películas de Almodovar: La flor de mi secreto (1995), Carne trémula (1997), Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002), La mala educación (2004), Volver (2006). Los abrazos rotos (2009), La piel que habito (2011), Los amantes pasajeros (2013), Julieta (2016), Dolor y Gloria (2019)
• Música para películas de Julio Meden: Vacas (1992), Tierra (1996), Los amantes del círculo polar (1998), Lucía y el sexo (2001), Ma Ma (2015), 
• Nominaciones a los BAFTA y a los Oscars: El jardinero fiel (The Constant Gardener, 2005); Cometas en el cielo (The Kite Runner, 2007); El topo (Tinker Tailor Soldier Spy, 2011).

BERNARDO BONEZZI (1964-2012). Comenzó su carrera musical en grupos pop de la "Movida Madrileña" (movimiento cultural pop de los 80) con el grupo Los Zombis, cuyo mayor éxito fue la canción Groenlandia (198??). Colaboró con el dorector de cine Pedro Almodovar, para el que compuso la banda sonora de Laberinto de pasiones (1982). A lo largo de su carrera compuso más de cuarenta bandas sonoras. Estuvo nominado a los Goya por la banda sonora de otra película de Almodovar, Mujeres al borde de un ataque de nervios (1989) y ganó lo ganó con Nadie hablara de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 19965), una película de cine negro. Para televión compuso la melodía de la serie Farmacia de guardia (1991-1995), la serie más vista de la historia de la televisión española.   

ROQUE BAÑOS (1968). Roque Baños nacido en Jumilla (Murcia), Accede al Real Conservatorio de Música de Madrid, donde obtiene el Premio Fin de Carrera, además de varias menciones y matrículas de honor, consiguiendo las titulaciones de Profesor Superior de Saxofón, Piano, Solfeo, Armonía, Contrapunto, Composición e Instrumentación y Dirección de Orquesta. Se forma en el prestigioso Berklee College of Music, de Boston (USA), escuela para la que es becado en el año 1993 por el Ministerio de Cultura, en la que se especializa en Composición de Música para cine (Film Scoring) y en Jazz, consiguiendo varios reconocimientos en forma de premios. Tiene una extensa filmografía de más de 60 películas. Su música se caracteriza por una gran influencia del jazz y la música clásica que se refleja en la mayoría de sus trabajos, especialmente en  El robo más grande jamás contado (Daniel Monzón, 2003), unido al estilo épico del John Williams.  Es el autor de las cinco películas de la serie Torrente dirigidas por Santiago Segura (1998, 2001, 2005, 2011 y 2014) y de muchas películas de Alex de la Iglesia como La comunidad (2000), Crimen ferpecto (2004). Ha obtenido numerosos reconocimientos, entre los que cabe destacar nueve nominaciones a los premios Goya. De éstas, ha obtenido el galardón en tres ocasiones:

• 2003. Premio Goya a la mejor canción original por “Sevillana para Carlos”, de la película Salomé, de Carlos Saura.  

• 2008. Premio Goya por mejor música original. Banda sonora de la película Las trece rosas, de Emilio Martínez-Lázaro.

• 2009. Premio Goya por mejor música original. Banda sonora de Los crímenes de Oxford (Alex de la Iglesia)

 

EL VIDEOCLIP

(para este apartado seguimos los apuntes de la web CREA)

El origen del videoclip está protagonizado por The Beatles. A mediados de los años 60 la banda de Liverpool, agobiada por una agenda infinita de invitaciones a tocar en programas de televisión, decide rodar unas breves películas presentando sus nuevos singles –"Rain" y "Paperback Writer" (1966) primero, y luego "Penny Lane" y "Strawberry Fields Forever" (1967)– enviándolas en exclusiva a ciertos programas de televisión para su estreno y así ahorrarse el viaje. En tales películas, los músicos no se limitaban a simular que interpretaban, sino que se introducen elementos narrativos y con una fuerte voluntad artística. Por ello, se ha llegado al consenso de que los Beatles inventaron el videoclip tal y como lo conocemos hoy.

Desde entonces, y a lo largo de la década de los 70, poco a poco las discográficas empiezan a apostar por el formato y de cada vez se realizan más videoclips para promocionar las novedades de su catálogo. Un caso de éxito notable fue el vídeo para "Bohemian Rhapsody" (1975) de Queen, que por primera usaba el vídeo analógico con efectos especiales y abandonaba el soporte fotoquímico para su producción.

El 1 de agosto de 1981 nace MTV (Music Television) en Estados Unidos, un canal de televisión por cable que emitía videoclips las 24 horas. Al principio fue un canal minoritario, pero acabó convirtiéndose, a lo largo de los siguientes 20 años, en un icono fundamental de la cultura juvenil y popular. Impulsó de manera importante la carrera de músicos como Michael Jackson, Madonna, Britney Spears o Beyoncé. Significativamente, el primer video clipque emitió la MTV fue el “Video killed the radio star” (1979) del grupo británico post-punk The Buggles; el motivo para la elección parece bastante claro, tanto la letra de la canción como las imágenes del vídeo, con radios explotando, hacen referencia a una vieja estrella de la radio que ve como sus días de gloria acaban debido a la proliferación del vídeo.

En 1983, un nuevo videoclip puso patas arriba el negocio musical. Se trataba de "Thriller", de Michael Jackson. A diferencia de sus predecesores, este vídeo, dirigido por el director de cine John Landis, duraba 14 minutos y contaba una historia, con una introducción de ficción que se encadenaba con el tema musical, coreografías elaboradísimas, una mezcla de la canción diferente de la del disco exclusivo para el vídeo y finalizaba con un macabro epílogo, así como con los créditos como si de una película se tratara.

No fue hasta la década de los 90 que los videoclips se convirtieron en una pieza audiovisual respetable y respetada, no solo por el público, sino por los críticos culturales y artistas de otros campos. Con el paso del tiempo, el lenguaje narrativo y la tecnología aplicada fue evolucionando y haciéndose cada vez más sofisticados y arriesgados. Desde entonces el nombre del director de los vídeos ha llegado a ser tan importante como el de los músicos. De tal manera que el realizador acababa teniendo un estilo reconocible, deseado, dando el salto de pasar de ser un miembro más –casi siempre anónimo– de la operación de promoción de una banda a convertirse también en "autor". 

Uno de los momentos más importantes de la historia del videoclip es el nacimiento de YouTube en el año 2005. De repente, cualquier músico ha tenido una ventana abierta, gratuita e internacional para darse a conocer. Los videoclips ya no tenían que competir para encontrar un hueco en la MTV, que empezó a decaer como cadena de televisión musical. Los músicos y realizadores, sin necesidad de excesivos intermediarios, ya podían presentarse ante el público directamente. Ello no significa que todo haya tenido que pasar por YouTube; existen otras plataformas online como Vimeo o Dailymotion. Internet ha facilitado que el videoclip se expanda y que adopte nuevas formas y relaciones con el espectador, de hecho, ls videoclips ya no se editan para promocionar discos sino que la tendencia se ha invertido y los discos, incluso en el formato "retro" de vinilo, se editan para promocionar el videoclip y fomentar los clicks en los canales YouTube, que reportan ingresos por publicidad a sus propietarios. También se recurre a la interacción con los fans, de modo que pueda personalizar los vídeoclips a su gusto como en el caso de "The Wilderness Downtown" de Arcade Fire. Otra tendencia es que del videocip con argumento cinematográfico se ha vuelto al llamado "videoclip documental": plano secuencia, música en directo, lugar de grabación no habitual.

Podemos hacer una clasificación de vídeos musicales en función de la adecuación o relación entre la música y la imagen; en cualquier caso, podría darse la combinación de varias de estas modalidades, no es un esquema cerrado.

• Interpretación cinematográfica, con una trama y un desenlace más o menos complejo, más o menos ajustado al contenido o al mensaje de la canción.
• Actuación del grupo que interpreta la canción.
• Concierto en directo del grupo o del interprete.
• Reportaje o montaje de escenas de los interpretes en diversas situaciones reales (viajando, en los camerinos, en directo, etc...) para promocionar la grupo.
• Video interactivo.
• Animación.

Otro de los elementos que podemos observar y analizar en los videos musicales son los referentes culturales que reelabora y los fundamentos estéticos, plásticos y visuales y musicales que utiliza para apoyar la canción: referencias a películas, cuadros, obras de arte, sucesos históricos, otros grupos musicales, etc...