DEL CINE MUDO AL CINE SONORO (LA COMEDIA)

Relación con el temario de 2º de Bachillerato (Real Decreto 1105/2014 del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, de 26 de diciembre, por el que se establece el currículo básico de la Educación Secundaria Obligatoria y del Bachillerato): Bloque 1. Integración de sonido e imagen de audiovisuales y new media (Los hitos históricos del proceso de transformaciones en los lenguajes y en los medios técnicos en el paso del cine mudo al cine sonoro. El "slapstick en la obra de Max Senet, Max Linder y Charlie Chaplin. La comedia visual en Buster Keaton y Harold LLoyd.  LA comedia dialogada. La obra cinematográfica de woody Allen. La comedia coral. La obra cinematográfica de Luis García Berlanga.) 

LOS HERMANOS LUMIÈRE Y LOS ORÍGENES DEL CINE (1895-1896)

El cinematógrafo, máquina que permite la toma y proyección de imágenes en movimiento, fue inventado por los hermanos Lumière. La primera proyección pública de una película tuvo lugar en París el 28 de diciembre de 1895, se trataba de una serie de imágenes documentales: Salida de los obreros de la fábrica Lumiére (46 segundos) y La llega de un tren a La Ciotat (50 segundos). Poco después filmaron las primeras películas con argumento, El regador regado (1895-1896). La serie (rodaron hasta tres versiones con el mismo argumentos) no sólo es la primera película con argumento de la historia del cine sino también la primera película cómica considerarse la primera película cómica del la historia del cine. La historia es tan simple como la broma que un chico le gasta a un jardinero pisando la manguera cuando éste riega un jardín. En el momento en el que el segundo inspecciona la manguera para ver qué ocurre, el muchacho levanta el pie y el hombre acaba empapado, empezando la persecución para darle su escarmiento al niño. Simple, directo y efectivo. Uno de los primeros gags de slapstick de la historia del celuloide, que arrancó la carcajada del entonces inocente y sorprendido público.

CARACTERÍSTICAS FUNDAMENTALES DEL CINE MUDO 

• En los inicio del cine predominan los planos generales ya que la cámara (el cinematógrafo) pesaba mucho y no solía moverse. En Francia, Louis Feuillade en El defecto (Le Tare, 1911, 41 minutos) comenzaría a usar hacia la alternancia del plano general con el plano medio y en Estados Unidos  D. W. Griffith, considerado "el padre del cine moderno", introduciría en El nacimineto de una nación (1915) una serie de novedades técnicas y narrativas que lograron superar el concepto de filmación con cámara fija que se había desarrollado hasta entonces y comenzó a utilizar diferentes planos en función de las necesidades expresivas del relato cinematográfico,estableciendo las bases del cine tal como lo conocemos hoy. 
• Se filmaba en películas de 35 mm, a una velocidad mas lenta que la del cine sonoro (16 a 20 fotogramas por segundo mientras que la velocidad del cine sonoro es de 24 fotogramas por segundo), esto hace que al proyectar la película las imágenes parecen más rápidas de lo normal, perdiendo naturalidad pero potenciando su comicidad. 
• En montaje solía ser lineal, como sucesión de planos individuales. El montaje paralelo, o yuxtaposición de diversos planos, no aparece hasta que Edwin S. Porter rueda  La vida de un bombero americano (1903, 6 minutos) en la que narra el rescate de una mujer atrapada en un edificio en llamas.
• El color era el blanco y negro aunque se hicieron experimentos para conseguir el color coloreando directamente los fotogramas (George Meliés).
• Al no poder existir diálogo, se intercalaban entre las escenas intertítulos con breves frases y explicaciones.
• Los actores basaban su actuación en el dominio del lenguaje corporal, la mímica, la caracterización exagerada de personajes estereotipados (el bueno, el malo, la chica de la que se enamora el bueno, etc...).
• Las primera películas de cine mudo solían ser cortometrajes, duraban entre 5 y 30 minutos. A medida que las películas fueron desarrollando argumentos más complicados fueron haciéndose más largas, hasta adquirir el carácter de mediometrajes (entre 30 y 60 minitos) y raramente largometrajes cuando superaban los 60 minutos.

EL SONIDO EN EL CINE

Durante los primeros 30 años de su historia, el cine fue mudo aunque esto sólo significa que no podían reproducirse los diálogos ni el sonido de las acción pues en realidad el cine combinó casi desde sus primeros momentos imagen y sonido. Según algunas teorías, el sonido se usaba para ocultar el molesto sonido de las bobinas y máquinas de proyección; según otras, el acompañamiento musical es consubstancial a las principales manifestaciones culturales humana, desde el teatro, la liturgia a las grandes fiestas públicas y privadas así que no podía faltar tampoco en un espectáculo como el cine. En los primeros tiempos se interpretaban al mismo tiempo que se exhibía la película obras populares u obras de autores conocidos como Chopin, Bethoveen y otros por parte de una orquesta, un pianista o un gramófono. 

PRIMERAS BANDAS SONORAS ORIGINALES PARA CINE

En 1908 se compusieron las primeras bandas sonoras originales (BSO) para películas de cine: En Francia Camille Saint-Saëns para El asesinato del duque de Guisa y en Rusia Mihail Ippolitov-Ivanov para la película Stenka Razin. Poco a poco se van haciendo habituales las BSO e incluso algunos compositores se especializan en componer para el cine, es el caso de J.K. Briel, autor la BSO de Cabiria (1914). En esta época y durante los años siguientes las películas seguían siendo mudas y la música se sigue interpretando en el foso del cine, que solía ser también local de teatro,  por parte de una orquesta, de un pianista. 

LA BANDA SONORA INTEGRADA 

En 1927 las compañías estadounidenses General Electric y Western Electric crean el primer sistema para integrar la banda sonora en la propia película, el sistema Vitaphone, sistema que comercializó la Warner Bros.  La primera película sonora fue El cantante de jazz (1927)  en la que aparecen integrados en la película los números musicales aunque carece de diálogos por lo que, en parte, sigue siendo una película muda y sigue usando los intertítulos. Al año siguiente se estrena Luces de Nueva York (Lights of New York, 1928) que sí es totalmente sonora. Ese mismo año las compañías RCA y General Electric lanzaron el sistema de banda sonora integrada Photophone, que supuso la consolidación técnica del cine sonoro. A partir de entonces el cine se volvió sonoro e inevitablemente la forma de actuar de los actores y el lenguaje cinematográfico de los guionistas y directores se transformó.  

       

LA EVOLUCIÓN DE LA COMEDIA DEL CINE MUDO AL CINE SONORO

Keystones  Cops

SLAPSTICK 
Es el fundamento de la comedia en el cine mudo. Puede traducirse como "payasada", "bufonada" , "golpe-porrazo" o, literalmente, "guantazo-palo". Es un tipo de humor basado en la violencia física, pero una violencia irreal ya que no causa dolor ni daños. Los sketches o escenas suelen durar como mucho unos diez minutos, cada una de las unidades cómicas que lo componen se denominan gags. Los actores suelen representar persecuciones, peleas, caídas y choques acrobáticos. 

MAX LINDER (1883-1925) Fue el cómico más famoso de Francia entre 1905, año que aparece por primera vez en el cine, y 1925, año de su muerte. Encarnó a un personaje de aspecto distinguido, vestido elegantemente con frac, sombrero de copa, guantes blancos y bastón, todo un caballero de la alta sociedad lo que lo convirtió en un personaje admirado por el público femenino, entre el que levantaba pasiones.  Este personaje solía verse atrapado en los más insólitos enredos. Su gran éxito comercial hace que desde 1912 sea el actor cinematográfico mejor pagado de  Francia. Ya incluso por esos tiempos ensayó la dirección de algunas películas, actividad en la que también se mostró igualmente diestro. Durante la Primera Guerra Mundial sufrió los efectos de los gases asfixiantes, lo que le dejó secuelas para toda la vida; incluso se llegó a hablar de que había muerto en las trincheras. Pero pero no fue así, Linder volvió del frente y en 1916 viajó a Estados Unidos para trabajar en los estudios americanos, aunque no tuvo el éxito esperado y volvió a Francia en 1918. En 1919 volvió por segunda vez a Hollywood y filmó tres películas, entre ellas Los tres mosqueteros, versión cómica de la novela de Alejandro Dumas. Volvió a Francia y  víctima de frecuentes estados depresivos, que lo llevaron al consumo de drogas, trabó un pacto suicida con su esposa, la joven Jean Peters, con la que se había casado en 1923. El 31 de octubre de 1925 Max Linder le abrió las venas a su esposa, antes de hacerlo consigo mismo. Aunque tras su muerte cayó en el olvido, fue valorado a partir de los sesenta del siglo pasado como una de las principales figuras del cine mudo, precursor y fuente de inspiración para los grandes cómicos del cine americano de los años veinte. Algunas películas y documentales:

• Max y su suegra (1911)

• Las vacaciones de Max (1914)

MACK SENNET (1880-1960). Conocido en la historia del cine como "el rey de la comedia", nació en Quebecq (Canadá) pero cuando tenía 17 años su familia se trasladó a los EE.UU. De joven se dedicó al teatro en Nueva York, siempre en papeles poco importantes, como cantante, bailarín y payaso. Con ayuda de algunos inversores en 1912 fundó en Los Ángeles (California) Keystone Sudios, el primer estudio y escenario totalmente cerrado de la historia del cine. Muchos actores importantes iniciarían sus carreras aquí, entre ellos Charlie Chaplin. Posteriormente estos estudios se integraron en el sistema de los grandes estudios y del start-system. Durante la década de 1920 sus películas tuvieron gran demanda, y produjo fundamentalmente cortometrajes. Sus comedias se basan en el slapstick,  eran famosas por sus disparatadas persecuciones y carreras de coches y sus batallas de pasteles. Creó el personaje del policía cómico e incompetente (Keystones Cops), pues según la teoría del propio Sennet al público le encantaba ver a las autoridades en apuros y ridiculizadas.  En sus películas figuraban un conjunto de chicas en bañador conocidas como las Sennett Bathing Beauties ( las bellezas bañistas de Sennett ), bellezas de la época que sumaban al componente cómico cierto componente erótico. Sennet se adaptó bien a la llegada del cine sonoro. En 1928 llegó a producir el primer corto sonoro y llegó a experimentar con el color pero seguía aferrado técnicas de rodaje que se iban quedando obsoletas por lo que sus películas pasaron de moda y no pudieron competir con las de las grandes figuras de la nueva época del cine. Desde que comenzó en 1912 hasta que rodó su última película en 1939 llegó a producir más de 1.000 películas mudas y varias decenas de películas sonoras. La mayor parte de ellas se han perdido, sobre todo las de la época más productiva de Sennet, las de la década de 1920. 

Sennet Bathing Beauties

CHARLIE CHAPLIN (1889-1977) (Primera parte). Nació en una familia relacionada con el music-hall y él mismo debutó en el teatro a la edad de cinco años sustituyendo a su madre. Parece ser que por parte de madre tenía antepasados gitanos (la madre de su abuela paterna provenía de una familia de herreros ambulantes gitanos), de lo que Chaplin se sentía orgulloso. Tuvo una infancia difícil, sus padres se separaron cuando él era muy pequeño, el padre murió alcoholizado y la madre fue internada en un psiquiátrico por lo que Charles y sus hermanos fueron internados en un orfanato para de niños pobres. Durante su juventud alternó el teatro y el music hall con diversas profesiones (vendedor callejero, soplador de vidrio, chico de los recados). Entre 1907 y 1912 recorrió Estados Unidos y Canadá como miembro de una compañía de mimos hasta que Mack Sennet, que lo había visto actuar, decidió contratarlo para los estudios Keystone, donde pronto se convertiría en una de las principales estrellas. Fue aquí donde creó su personaje más famoso, Charlot el vagabundo (Carlitos en Hispanoamérica), que apareció en 1914 en la comedia titulada Carreras sofocantes. La caracterización se basaba en un vagabundo con modos refinados y la dignidad de un caballero, inspirado en los personajes de Max Linder , pero con ropas pobres y cómicas debido al contraste de unos zapatos muy grandes y un sombrero muy pequeño, de unos pantalones bombachos anchos y una chaqueta muy estrecha, su famoso bigotito, el bastón y unos andares de zambo. La fórmula de Chaplin al momento de filmar consistía en gestos exagerados y otros métodos de comedia física.  Junto a Chaplin aparecía casi siempre un personaje femenino, por lo general una joven ingenua acosada por un personaje que hacía de malo, generalmente más alto y fuerte que Charlos, para crear un nuevo contraste cómico. Durante la primera década del siglo XX Charles Chaplin ganó inmensa popularidad e infinidad de “chaplinistas” recorrían los circos y teatros ganándose la vida al imitar al genio del humor mudo. Tantos imitadores llevaron a que se crease un concurso nacional en Estados Unidos en el que se premiaba a quien mejor realizara la imitación. Durante uno de sus viajes a San Francisco a Chaplin le llegó la noticia de uno de éstos concursos, y seducido por la idea se inscribió de inmediato. Increíblemente el resultado fue desastroso, no pasó de la primera ronda y los jueces le dieron una de las peores calificaciones de su tanda pues para el jurado Chaplin no era suficientemente bueno imitando a Chaplin. En 1915, Chaplin firmó un nuevo contrato con Essanay por un año, compañía con las que filmó 14 películas en las cuales desarrolló mucho más sus habilidades cinematográficas, en producciones consideradas más ambiciosas. La popularidad de Chaplin continuó en aumento hacia el final de la Primera Guerra Mundial. En sus películas, hacía referencia a los problemas e injusticias de la sociedad de su tiempo; entre ellos, las dificultades, constantes luchas y humillaciones de los inmigrantes desamparados y los problemas laborales. En 1917 pasó a trabajar para  la Mutual Film Corporation, con la filmó doce películas en un periodo de 18 meses, periodo que Chaplin consideró el más feliz de su carrera. En 1918 firmó con la compañía First National para realizar dos películas, con cada cambio de compañía y la firma de un nuevo contrato Chaplin aumentaba su caché y sus beneficios. Desde ese mismo año para a producir y dirigir sus propias películas y posee sus propios estudios en Holywood. En 1919 fundo junto D. W. Griffith y otros actores y directores la compañía United Artists (UA), en un intento por escapar del creciente poder de los demás distribuidores. Esta compañía, junto con el control total de su producción cinematográfica a través de su estudio, aseguró la independencia de Chaplin como cineasta. A partir de entonces las películas de Chaplin comenzaron a ser largometrajes, destacando La quimera del oro (1925), que se considera una de las mejores películas del siglo XX. Tras la llegada del cine sonoro, Chaplin se siguió centrando en el cine mudo, incluyendo efectos de sonido y música con melodías basadas en canciones populares o compuestas por él. El circo (1928) es todavía una película muda. El vagabundo estuvo profundamente identificado con la época del cine mudo. Cuando en la década de 1930 se generalizaron las producciones sonoras, Chaplin se negó a encarnar a su personaje hablando. En Luces de la ciudad (1931), una película que mezcla la comicidad con el sentimentalismo, no aparece ningún diálogo. Chaplin abandonó su personaje en la película Tiempos modernos (1936), que finaliza con el vagabundo caminando por una carretera sin fin hacia el horizonte, de la mano de Paulette Goddard. La película fue prácticamente muda, aunque en una escena se lo pudo escuchar cantar a Chaplin durante unos minutos en una lengua ininteligible, toda la actuación y la transmisión del mensaje sigue basándose en la mímica  

BUSTER KEATON (1895-1966). Comenzó actuando a la edad de cuatro años en el music hall de sus padres y ya con cinco años era la verdadera estrella cómica del teatro familiar a pesar de que las asociaciones de defensa de la infancia denunciaron a sus padres por explotación infantil y por poner en riesgo la vida del niño debido a lo arriesgado y violento de algunos números (Buster solía ser lanzado al foso de la orquesta, salía rodando por el escenario y hasta recibía golpes) así que en 1097 la justicia de Nueva York cerró el teatro de sus padres. Desde entonces Buster Keaton sigue ligado al teatro, las variedades y el cine pero sin lograr éxito. Durante la Primera Guerra Mundial es destinado a Francia y allí pierde parcialmente el oído. Durante estos años, antes y después de la guerra, sus principales papeles fueron los que interpretó como acompañante del actor cómico Roscoe Arbuckle, intérprete del célebre personaje Fatty. El éxito le llegaría en los años veinte, época en que se convirtió en personaje principal y director de sus propias películas. La producción y rodaje de éstas solían ser muy caras ya que usaba grandes medios para los escenarios, desde locomotoras a barcos de verdad. Fue en esta época cuando modeló su personaje, un joven tragicómico que se enfrenta a las desgracias con una absoluta inexpresividad, lo que hizo que le bautizaran como "Stone Face" ("Cara de Piedra", aunque en España fue conocido como "Cara de Palo" y como Pamplinas). Para darle expresión a su personaje, utilizaba las acrobacias, para las que se negaba a usar dobles o especialistas. En El rostro pálido, llegó a saltar desde una altura de 24 metros, y, en la película El moderno Sherlock Holmes (1924), por muy poco no se rompió el cuello en una escena de riesgo. Su película más importantes, de la que se sentía más orgulloso, es El maquinista de La General (The General, 1926); interpreta a un maquinista del Sur que ttiene dos grandes amores: una chica (Anabelle Lee) y una locomotora (La General). En 1861, al estallar la Guerra de Secesión, intenta alistarse, pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia. Anabelle cree que es un cobarde y lo rechaza. El maquinista sólo podrá demostrar su auténtico valor cuando un comando nordista infiltrado en las líneas confederadas le robe "La General" y rapte a Anabelle. Johnny no dudará un segundo en subirse a otra locomotora y perseguir a los yanquis para recuperar a sus dos amadas. La película resultó fracaso crítico y financiero en su lanzamiento inicial, pero décadas después comenzó a ser considerada como una de las mejores películas de acción de todos los tiempos. A partir de 1928 entra en un progresivo declive artístico y comercial. No asimiló el paso al cine sonoro y nunca se adaptó al sistema de estudios. A partir de la década del treinta dejó de actuar y se dedicó a escribir guiones de gags para las películas de los Hermanos Marx.  En los años cincuenta apareció fugazmente en la pantalla interpretando pequeños papeles en Sunset Boulevard (Billy Wilder, 1950) y en Candilejas (Chaplin, 1952) y junto a Cantinflas en La vuelta al mundo en ochenta días (Michel Anderson, 1956). Enlaces a sus películas:

• El moderno Sherlock Holmes (1924) 
• El maquinista de la General (1926)

HAROLD LLOYD (1893-1971). Fue el actor más popular y mejor pagado de la década de los años veinte. Comenzó en en le teatro y desde 1913 empezó a actuar en el cine con cierto éxito pero siempre interpretando personajes que imitaban o se inspiraban en el de Charlot. No fue hasta 1917 cuando creó su propio personaje original, "el hombre de las gafas". Se trataba de un personaje vestido a la moda del hombre medio americano del momento: chaqueta, pajarita, sombrero de paja y gafas; es decir, era un hombre completamente normal. Además, representaba un espíritu optimista, valiente, dinámico y con una gran capacidad para superar todo tipo de obstáculos y dificultades impuestas por el ritmo de vida frenético  de la ciudad moderna (tráfico, construcciones, etc.). Así, mientras Charlot representaba al hombre inadaptado a la vida moderna, el "hombre de las gafas"encaja perfectamente en ésta, aunque para ellos tiene que luchar con innumerables dificultades. En 1919 sufrió accidente mientras posaba para la foto de un cartel publicitario en la que encendía un puro con la mecha de una bomba; la bomba, en contra de lo que esta previsto, explotó (al parecer porque el fotógrafo tardó demasiad en hacer la foto) y Lloyd perdió dos dedos de una mano derecha (índice y pulgar) y estuvo a punto de quedarse ciego. Contra todo pronóstico superó el accidente y en los sucesivo siguió rodando escenas de riesgos con la ayuda de un guante protésico, cosa de lo que el público no tenía ni idea. A partir de 1921, para competir con Chaplin que ese año había estrenado The Kid, comenzó a rodar largometrajes ( tengamos en cuenta que el público no estaba acostumbrado a comedias mudas de más de media hora) y a pesar del temor de los productores al fracaso comercial, The Sailor-Made Man (Marinero de aguadulce, 1921, 47 minutos) resultó un auténtico éxito. Desde entonces LLoyd dejó de filmar cortos y no abandonó nunca más el largometraje.

El estilo cinematográfico de los gags de LLoyd es rápido, aparentemente loco e improvisado; sin embargo, preparaba minuciosamente sus escenas y no dejaba nada al azar ni a la improvisación. De hecho, sus rodajes eran lentos, minuciosamente preparados. Sus películas solían empezar con un ritmo moderadamente lento, donde 'El hombre de gafas' se ve enredado en algún asunto amoroso o un reto condenado al fracaso, luego iba de chiste en chiste, cada vez más rápido, para llegar a un final donde la velocidad y las piruetas hacen que el protagonista salga victorioso contra la adversidad. Lloyd realizaba funciones especiales de sus filmes antes del estreno, y modificaba, añadía u omitía partes de la misma dependiendo de la actitud, aplausos, duración y frecuencia de las risas y carcajadas, aplausos y otros comportamientos de los espectadores. Con la llegada del cine sonoro y la crisis social y políticas de los años treinta, el cine de Harold Lloyd ya no tuvo el mismo éxito, aunque estuvo en activo y rodando películas hasta 1947. Delas 208 películas que rodó a lo largo de su vida, las mas importantes son:

• Sailor-Made MAn (Marinero de agua dulce) (1921)
• Grandma's Boy (El mimado de la abuelita) (1922)
• Safety Last! (El hombre mosca) (1923)
• The Freshman (El estudiante novato) (1925)

EL CINE SONORO Y LA COMEDIA DIALOGADA

La técnica y la expresión artística tuvo que adaptarse a la aparición de la banda sonora integrada en el cine a partir de 1927. A partir de entonces se incluyeron diálogos y números musicales, el humor ya no se basaba sólo en el slapstick sino también en las frases ingeniosas, los chistes y los equívocos. Los guiones cambiaron y empezó a darse  mucha importancia a los diálogos, más que a la mímica y a la acrobacia. Muchas estrellas del cine mudo no supieron adaptarse a las nuevas formas de interpretación. En su lugar aparecieron nuevas estrellas de la comedia. EL GORDO Y EL FLACO (Laurel and Hardy) fueron una pareja cómica que se adaptó perfectamente a las nuevas exigencias del sonoro aunque sus películas se basaban todavía en su mayor parte el slapstick, estuvieron de moda has los años cuarenta. 



Los representante más característicos del nuevo estilo de comedia son LOS HERMANOS MARX, que proceden del music hall alemán y conjugan las técnicas propias del cine mudo, el slapstick, con los nuevos descubrimientos del sonoro, sobre todos los números musicales y las coreografías. Películas como Sopa de ganso (1933) incorporan el absurdo a la comedia, mostrando las huellas de las vanguardias artísticas como el  surrealismo o el dadaísmo; de esta película destacamos aquí la escena dele espejo . Un gag clásico de los Hermanos Marx es la escena del camarote de Una noche en la ópera (1935). HArpo y Chico solían protagobizar números musicales en las películas de los Hemnso MArx pero en alguna ocasiones daban entrada a otros artistas, e Un día en la carreras (1937) diern visibilidad a la cultura afroamericana introduciendo varios números musicales de jazz y soul, la actuación de los Whitney´s Lindy Hoppers, un grupo de músicos de jazz y bailarnes de Harlem. 

CHARLES CHAPLIN (Segunda parte). Chaplin fue uno de los pocos artistas de cine mudo que se adaptó bien al bien sonoro. Ya hemos visto que no quiso que su personaje Charlot hablara en el cine y que lo interpretó sin hablar hasta el año 1936 en Tiempos modernos. La película primera película completamente sonora que dirigió e interpretó  fue El gran dictador (1940), que significó un acto de desafío contra el nazismo. Fue filmada y lanzada un año antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial. Chaplin interpretó el personaje de un barbero judío, muy similar al vagabundo clásico en su indumentaria, comportamiento y actitudes que es confundido con Adenoid Hynkel, dictador de Tomainia, inspirado en el dictador alemán Adolf Hitler, que era en la vida real cuatro días más joven que Chaplin y tenía un bigote similar. La película también presentó al comediante Jack Oakie como Benzino Napaloni, el dictador de Bacteria, una parodia al dictador italiano Benito Mussolini.​ En la película el barbero judío es confundido con el dictador y termina ocupando su lugar;  al final, el barbero pronuncia un discurso denunciando a la dictadura, la codicia, el odio y la intolerancia, pronunciándose a favor de la libertad y la fraternidad humana. La película fue vista como un acto de valentía en el entorno político de la época, tanto por su ridiculización del nazismo como por su representación de judíos perseguidos por el régimen nazi.  La película fue nominada en cinco categorías para los premios de la Academia (los premiso Óscar), sin embargo no ganó ninguno.​ Fue prohibida en España y se estrenó 36 años después, en 1976, cuando ya había fallecido el general Franco. Durante la Segunda Guerra Mundia Chaplin mostró simpatías por la Unión Soviética y en su película Monsieur Verdoux (1947) criticó abiertamente al capitalismo. Tras la Segunda Guerra Mundial,  en plena Guerra Fría, sufrió la "caza de brujas" iniciada contra los actores y artistas de Hollywood considerados afines al socialismo por le senador Maccarthy (1947). En 1952 se trasladó al Reino Unido para asistir al estreno de Candilejas (Limelight, 1952) y las autoridades estadounidenses aprovecharon para prohibirle el regreso al país. Desde entonces vivió exiliado en Suiza. Volvió a Inglaterra para dirigir Un rey en Nueva York (1956) y a Estados Unidos en 1972 para recibir Óscar por la mejor música original para la película Candilejas, que él mismo había compuesto. 

LA COMEDIA SOFISTICADA Y ELEGANTE. Durante los años treinta y cuarenta se puso de moda la adaptación de obras de teatro que han triunfado en Brodway y se desarrollan nuevos guiones caracterizados por diálogos ingeniosos. Triunfa el actor de comedia que es además guapo y atractivo (es galán y cómico al mismo tiempo). Durante estos años aparece la SCREW BALL COMEDY (la comedia alocada) llamada así por los imprevisibles cambios en el guión(como la bola de basaball hace cambios imprevisibles en su trayectoria cando toma efecto). Este subgénero de la comedia aparece en 1934 con la película Sucedió una noche (It Happened one night), dirigida por Frank Capra. Se distingue por la presencia de un personaje femenino fuerte cuya relación con el protagonista centra la historia, diálogos rápidos, situaciones ridículas, tramas que involucran el noviazgo y el matrimonio y una clara intención de evadir al espectador. Fue el resultado de los esfuerzos de los grandes estudios cinematográficos para evitar la censura, y estas comedias podían incorporar en la trama contenido adulto y elementos subidos de tono, como sexo antes del matrimonio y adulterio. A menudo las historias se desarrollan en ambientes elegantes de la alta sociedad pues al público le atraía contemplar sus vestidos caros, la moda femenina mas sofisticada, las mansiones de las clases adineradas. Destacan dentro de este nuevo estilo de comedia directores como:

• Ernst Lubitsch, cuyo humor se caracteriza por el llamado toque Lubitsch, una composición de argumento elegante y sofisticado que acababa dirigiéndose hacia la ironía. Se caracteriza por su capacidad de sugerir aquello que no podía mostrar de forma explícita, obligando así al espectador a imaginar lo que el propio Lubitsch está queriendo mostrar. El objetivo era evitar que sus películas fueran censuradas, por lo que subyacía un erotismo muy sutil, que le proporcionaban a las películas una apariencia ligera, pero en el fondo tenían un gran compromiso tanto moral como social. Un claro ejemplo donde se aprecia el toque Lubitsch es en Ser o no ser (1943), película en la que cuenta las peripecias de una compañía de teatro en la Varsovia ocupada por los nazis.
• Howard Hawks, dirige a Cary Grant y Katharine Hepburn en La fiera de mi niña (1938)
• Frank Capra, que dirige a Clark Gable Claudette Colberte en Sucedió una noche (1934) y a  Cary Grant en Arsénico por compasión (1944).

BILLY WILDER (1906-2002). De origen austriaco, comenzó a trabajar en el cine en Alemania pero tras la subida de Hitler al poder, debido a sus orígenes judíos, emigró a los Estados Unidos junto al actor Peter Lorre (el doctor de Arsénico por compasión). Comenzó a trabajas como guionista y colaboró con otro alemán emigrado, Ernst Lubitsch, su gran maestro. Wilder llena toda una época de la historia del cine que va de los años 40 a los 80 en los que escribió 60 guiones y dirigió 26 películas. Fue galardonado con seis Óscar, tras haber sido nominado en 21 ocasiones. Fue el primer cineasta en ganar tres Premios Óscar en una misma película, con El Apartamento (The Apartment, 1960). Wilder practica un humor inteligente en el que combina los corrosivo con los sentimental, en el que los personajes respetables suelen comportarse como canallas y en el que los canallas sacan a relucir su lado bueno provocando situaciones inesperadas. Pensaba que la gente no suele ser ni tan buena como aparece en la superficie ni tan mala como teme ser en el fondo. Destapa el lado hipócrita de las clases sociales honestas y la corrupción de los gobernantes, mientras que nos muestra el lado humano de los marginados, los ladrones, las prostitutas, los maleantes de poca monta y hasta de los gangsters. Una de sus características principales es que el público suele saber más sobre lo que ocurre en una escena que los propios personajes, multiplicando así las posibilidades dramáticas y cómicas. Entre sus muchas películas destacaremos Con faldas y a los loco (Some Like it Hot, 1950), con Marilyn Monroe, Jack Lemmon y Tony Curtis. 

WOODY ALLEN (1935-    ). Se inició en el mundo del espectáculo como escritor de chistes para periódicos, guiones de scketches de humor para la televisión  y como humorista de monólogos (stand up comedian), trabajos que influyen en su concepto cinematográfico ya que Allen se caracteriza por su rapidez a la hora de escribir guiones (en unos pocos días y uno al año) y en que están plagados de chistes, diálogos y monólogos humorísticos y con doble sentido. Se estrena como guionista y actor en la película ¿Qué tal, Pussycat? (Clive Donner,1965). Su primera película como director es Toma el dinero y corre (1969) donde también interpreta al personaje protagonista. A partir de ahí habrá una larga lista de películas en las que siempre aparece como actor, interpretando diversos papeles aunque en cierto modo parce interpretarse así mismo. Una de las características de sus películas es que la música de sus bandas sonoras suele basarse en el jazz, música a la que es aficionado y que interpreta con su propio grupo.En su obra filmográfica podemos diferenciar tres etapas:

• 1965-1975: Sus películas son claramente cómicas con predominio de humor físico heredero del slapstick y monólogos plagados de chistes y equívocos del personaje principal. Sus películas más representativas son Toma el dinero y corre (1969) o Bananas (1971). sus personajes son neuróticos, inseguros, enamoradizos y obsesionados con el sexo, la muerte y la comida. Es evidente que se interpreta así mismo. Son frecuentes los chistes sobre judíos, con los que también se ríe de sí mismo. 

• 1976-1992: Es una etapa más intelectual y con cintas técnicamente más depuradas en la que destaca la película Annie Hall (1977), protagonizada junto a Diane Keaton, o Manhattan (1979), Abandona el humor más primario y explora las relaciones de pareja y la psicología humana, representa sobre todos las preocupaciones y "neurosis" de los neoyorkinos de mediana edad y clase media-alta.  Suele hacer uso del plano secuencia en el rodaje. 

En 1992 la vida de Allen sufrió un vuelco. Hasta entonces había estado casado con la actriz Mia Farrow, quien descubrió que Allen mantenía una relación con una de sus hijas adoptivas (de ella, no de él) llamada Soon Yi Previn. Mia Farrow denunció a Woddy Allen de abusar sexualmente de una que tenian en común. El matrimonio se separó y Allen perdió el favor del público americano. Desde entonces rueda generalmente en Europa. 

• 1993-a hoy: Retoma las esencias de su primera etapa pero con mayor sutileza y guiones más sofisticados. Sus películas más representativas de esta tercera etapa son Misterioso asesinato en Manhatan (1993), Match Point (2005), Medianoche en París (2011), Cafe Society (2016) En esta etapa comienza a no participar como actor principal en sus películas y suele ceder el protagonismo a actores relevantes o que tienen un cierto parecido con él.

LA COMEDIA CORAL. Una película coral es aquella que no tiene un solo personaje principal sino varios cuyas historias se entrecruzan. Una de las películas más importantes de este género y que creó escuela​ es la película de Robert Altman Vidas cruzadas (Short Cuts, 1993), película ganadora de un León de Oro en el festival Internacional de Cine de Venecia y que surgió como el resultado de unir historias diferentes. Otra película coral clásica es Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994). Sin embargo ninguna de estas películas puede considerarse dentro del género de la comedia. Uno de los maestros de la comedia coral es un cineasta español, Luis García Berlanga.

LUIS GARCÍA BERLANGA (1921-2010).  Debutó como director en 1951 con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a éste, se le considera uno de los renovadores del cine español de postguerra.  Bardem y Berlanga volvieron a colaborar en Bienvenido, Mr. Marshall (1952), un film que ganó varios premios en el prestigioso Festival de Cannes. Este título ejemplifica bien su cine, generalmente coral y narrado en planos secuencia con rasgos de sátira, farsa, humor negro y una visión crítica y esperpéntica de la realidad sociocultural y política española. Los años 60 comenzaron con dos de sus obras más importantes, Plácido (1961)[resumen, escena 1] , título que le valió una nominación al premio Óscar como mejor película de habla no inglesa, y El Verdugo (1963), comedia negra que volvió a encontrar notable repercusión internacional, siendo de nuevo galardonado en Venecia. en ambas películas Berlanga colaboró con el guionista Rafael Azcona, asociación artística que duraría más de 25 años. En esta época Berlanga sigue desarrollando un estilo caracterizado por la toma prolongada que juega con la profundidad de campo en extensos planos-secuencia mientras los actores se mueven por el escenario en todas direcciones. Desarrollemos estos conceptos:

• La profundidad de campo permite potenciar el desplazamiento de los personajes en el encuadre en detrimento del cambio de plano y los movimientos de cámara y, por tanto del montaje en postproducción; permite ademas la simultaneidad de varias acciones y la entrada en primer plano del cuadro a personajes y objetos, provocando situaciones de gran intensidad dramática, cómica o efectos de sorpresa. Berlanga y Azcona consideraban que era la mejor manera de llevar a cabo su visión de la vida y de la España de la época, y para que los actores interpretaran de la mejor forma los personajes que creaban. Este estilo potencia la interpretación de los actores con una concepción teatral. La falta de montaje externo y de elipsis hace que tenga que estar muy pendiente del tono y ritmo interno de la escena, conformando secuencias realistas y muy vitalistas donde podemos ver muchos personajes en cuadro hablando los unos con los otros, en diversos planos, pisándose los diálogos los unos a los otros, le dan al film un toque de realidad el cual no tendría si optara por un montaje fragmentado de las escenas.
• La toma prolongada. Cuando se realizan planos de larga duración, se produce un montaje interno mediante el uso del paneo, travelling, grúa, o zoom para presentar el punto de ventaja continuamente cambiante que, de alguna manera, es comparable con los cambios de vista ofrecidos por la edición ya que el plano secuencia no puede editase posteriormente sino que se monta completo sin posibilidad de intercalar otros planos. 
• Berlanga explica el porqué del plano secuencia 

Durante la Transición del franquismo a la democracia, en la década de los 70 su película más importante es La escopeta nacional (1977), una coral y ácida crítica sociopolítica. A partir de los años 80 su filmografía se trivializó en muchos de sus aspectos y jamás volvió a realizar las obras maestras del pasado. De esta etapa destaca La Vaquilla (1985), una sátira sobre la Guerra Civil.